20 mari filme despre relațiile în criză

După o mare AFI Fest premiera, “;Pe malul marii, ”; Angelina JolieCea de-a treia ieșire regizorală se deschide mâine în teatre. Filmul marchează ceva de plecare pentru megastar-turn-helmer: spre deosebire de dramele conflictuale de prestigiu și ale lui “;În țara sângelui și a mierii”; iar anul trecut ’; s “;neștirbit, ”; noul film este un melodram în stil european, stabilit în anii '70, despre un cuplu american cu probleme în vacanță, a cărui relație este pusă la încercare într-un mod major.



Este un backback către un anumit fel de film realizat de regizori italieni din anii 1950 și 1960, dar și filmat de alții înainte și de atunci, care examinează o căsătorie sau o relație în criză, speranța care poate veni din supraviețuirea acestor teste și tristețe. când îți dai seama că nu ai câștigat. Cât de reușit a avut Jolie în captarea spiritului acelor filme este discutabil (citiți recenzia noastră pentru a afla cum), dar cu siguranță se încadrează într-o tradiție lungă, fină, iar filmul ei a ajuns iminent, părea un moment prielnic pentru a arăta de-a lungul istoriei sub-genului relație în criză. Aruncați o privire mai jos și anunțați-vă preferatele în comentarii.

“; Tot ce permite cerul ”; (1955)



Unul dintre Circul DouglasCele mai bune filme de ’; “; All That Heaven Permit ”; spune povestea lui Cary (Jane Wyman), o văduvă din Noua Anglie bogată, care se îndrăgostește de tânărul ei grădinar de clasă inferioară Ron (Rock Hudson). Desigur, romantismul lor supără comunitatea locală, ba chiar copiii lui Cary resping fericirea ei nouă ca fiind nefirească, determinând-o să o despartă, deși după ce a avut un accident, își regândește decizia și decide că era prea grăbită. Ulterior omagiat de Rainer Werner Fassbinder (cu “;Ali: Frica mănâncă sufletul”;) și Todd Haynes (cu “;Departe din Rai”;), amândoi aducând rasă în amestec, aici preocupările sunt mai conștiente de clasă, iar filmul captează perfect viața din suburbia anilor '50 (natura înaltă, aproape artificială a locațiilor Sirk ’; joacă artificialul construiește acea lume) și frământă ipocrizia și fonetismul lumii din jurul lor - modul în care sunt înfățișați copiii lui Cary ’; este aproape uluitor în lipsa de simpatie. Ca întotdeauna cu munca lui Sirk, Iit ’; a filmat minunat și a interpretat frumos, cu Wyman, niciodată o stea uriașă în ciuda unei victorii Oscar pentru “;Johnny Belinda”; cu șapte ani mai devreme, expresiv și foarte stratificat, iar Hudson arunca perfect chiar și atunci când treci cu vederea amintirile pe care le-au adăugat revelațiile ulterioare despre viața lui personală. Finalul ar putea părea puțin prea fericit pentru o poveste cu un asemenea aer de tragedie, dar Sirk și actorii săi nu ne lasă niciodată să uităm ce au sacrificat sau care sunt dificultățile care există probabil.



“; Blue Valentine ”; (2010)

Derek Cianfrance’; s harrowing “; Blue Valentine ”; nu este atât un film despre o relație în criză, cât despre o căsătorie în cădere liberă și exact cum doi tineri esențiali, cu bună intenție, au reușit să se afunde atât de jos într-o groapă abisală de abuz mental și emoțional . Filmul este la fel de dur și de nepătat în prezentarea ei de eroare umană ca orice din epoca de aur din John Cassavetesși prezintă două cele mai bune schimbări din carieră de la actori frumoși, care minează câteva părți foarte urâte din ei înșiși aici. Michelle Williams o interpretează pe Cindy, o tânără cu un nivel nivel, care se află în procesul de îngrijire a tatălui ei bolnav atunci când o întâlnește pe Dean (un pre-Meme Ryan Gosling, murmurând cu intensitatea unei tinere Paul Newman), un fermecător fără schimbare a cărui atitudine diavolă poate fi mai dăunătoare pe termen lung mai mult decât ar putea începe să-și imagineze oricare dintre ei. Cronologia fragmentată a filmului expune o încordare tempestuoasă cu memorie, juxtapunând pe Dean și Cindy la înălțimile lor înțepătoare, precum și la nivelurile minime ale stomacului. Și băieți, sunt minusculele: cine poate uita scena motelului care se târăște de piele sau Dean ’; s-a trezit nervoasă actul al treilea act într-un spital, unde lovește un medic? Însă Cianfrance, atras în mod evident de narațiuni melodramatice, nu este deloc mizerabil: el ’; are grijă să arate cum aceste două au ajuns să se încadreze unul pentru celălalt (în afară de scorul extraordinar de obișnuit de la ținuta indie rock. Urs grizli, “; Blue Valentine ”; de asemenea, se transformă Penny & the Quarter’; s chipper “; Tu și Eu ”; într-o tandră declarație romantică, precum și un strigăt de ajutor). Cianfrance și-ar încerca mâna la epopeea familiei cu urmărirea sa “;Un loc dincolo de pini, ”; cu rezultate semnificativ mai puțin reușite. Dar “; Blue Valentine ”; este una dintre cele mai neclintite aspecte ale creșterii inimii filmate vreodată.

„Bob & Carol & Ted & Alice” (1969)

Paul Mazursky’; este primul minunat film “; Bob & Carol & Ted & Alice ”; este unic pentru disecția sa de un anumit tip de politețe socială, care este endemică în rândul celor bine citite și aventuroase sexual din Los Angeles de la jumătatea secolului. Filmul este despre două cupluri de boem Beverly Hills care, după mărturisirea unui om și rsquo; s pentru infidelitate, declară că vor spune adevărul, adevărul urât, cinstit, cu orice preț - în vorbirea lui Mazursky și a co-scriitorului Larry TuckerScenariul lui ’; vor spune ce simt, ”; spre deosebire de ceea ce cred ei. Ideea, ilustrată printr-o călătorie hilar de prost recomandată la un seminar de auto-ajutor în scenele de deschidere ale filmului, este că această onestitate nestăpânită va crea progrese reale în ambele cupluri romantice ale filmului și ale rsquo; Acești oameni sunt atât de dedicați să spună adevăruri neîncarnate și să se gândească presupus progresiv, încât au uitat cum să fie oameni unul cu celălalt. Ei vorbesc în mod deliberat în patronarea platitudinilor, extrăgând virtuțile oamenilor pe care abia îi cunosc - ei sunt atât de deschiși încât sunt aproape să se despartă. “; Bob & Carol ”; rămâne filmul definitiv al lui Mazursky ’; din cauza disecției sale șocante, amuzante și profund grave a unei mentalități culturale colective. Este vorba despre marile diferențe între ceea ce fac oamenii și ceea ce spun oamenii, într-un mod care este exclusiv orașului Mazursky înfățișat atât de cu drag și atât de bine. Spre deosebire de locuitorii din East East Side nebbishy Woody Allen, care rămân în mare măsură fixați în mare parte de invidia clasei, de ierarhii creative și de agățări sexuale, Mazinoski ’; s Angelinos neînfățișate se înfioresc pe marginea unui val de toleranță și progres. Sunt „cetățeni ai lumii perfecți, excepționali și sănătoși din punct de vedere moral și, de asemenea, sunt clovni perfecți. Când cei patru ajung la concluzia că singurul pas logic “; următorul pas ”; în curățarea lor spirituală impusă de sine este să dormiți împreună, Elliot Gould’; s personaje remarci întâmplător, “; în primul rând, vom ’; vom avea o orgie. Apoi vom merge să vedem Tony Bennett. ”;

“; Întâlnire sumară ”; (1945)

ruth bader ginsburg pe baza de sex

Este cel mai bine cunoscut acum pentru marile sale epopee precum “;Podul peste râu Kwai,”; “;Lawrence Of Arabia”; și “;Doctor Zhivago, ”; dar unul dintre cele mai bune filme din David LeanCariera lui ’; a fost o imagine anterioară, mult mai mică: o romantică superbă, plină de inimă, care se numără printre cele mai bune cinematografe și rsquo; Bazat pe Laș Noel’; s play “;Natură moartă, ”; filmul o vede pe o soție suburbană din clasa mijlocie Laura (Celia Johnson) relatează povestea cum o bucată de granulă în ochi a determinat-o să se întâlnească cu fermecătorul doctor Alec Harvey (Trevor Howard) în timp ce așteptați la un magazin de ceaiuri din gara. Ambii sunt căsătoriți cu copii, dar se întâlnesc în mod regulat, în cele din urmă în secret, apropiindu-se tot mai mult de a face un pas care s-ar putea să nu fie de nerefuzat. Este foarte mult o poveste de dragoste clasică britanică, una în care ceea ce nu este spus este mai important decât ceea ce se spune și în care scurtele momente în care represiunea emoțională alunecă într-o explozie de sentiment brusc. Și în timp ce filmul rămâne castă, iar noi chiar suntem lipsiți de o adio pasională datorită intervenției unui chatterbox ignor (una dintre cele mai sfâșietoare scene din istoria cinematografiei), acesta funcționează cumva în favoarea sa, transformându-l în nu doar un poveste de dragoste, dar și două persoane ale căror căsătorii sunt supuse celor mai dure teste. S-ar putea sărbătorească un set de valori care par un pic de modă acum, dar totuși se simte la fel de proaspăt ca și ziua în care a fost lansat: uită-te doar la influența sa evidentă asupra unei romantici mai recente, Todd Haynes ’; “;colinda. ”;

“; Primăvara timpurie ”; (1956)

Dacă majoritatea cunosc orice film de Yasujirõ Ozu, este ’; s “;Tokyo Story, ”; un film numit frecvent printre cele mai bune realizate vreodată și o capodoperă liniștită incontestabilă. Filmul care a urmat după un decalaj (aproape inedit pentru un cineast extrem de prolific - el „rsquo;” a ajutat actrița Kinuyo Tanaka în cel de-al doilea film ca regizor) a văzut ceva dintr-o plecare din poveștile sale obișnuite de familie, dar se dovedește a fi la fel de puternic. “; Primăvara timpurie ”; stele Ryõ Ikebe ca salariat al unei companii de cărămidă din Tokyo care începe o aventură cu un coleg (Keiko Kishi), cu sotia lui (Chikage Awashima venind repede să bănuiască că ceva nu este în regulă. Abandonând temele obișnuite ale diferenței dintre generații și politici de familie (la îndemâna studioului său, care a simțit că nu au ieșit din modă și au vrut să-l alunge pe actori mai tineri), Ozu spune totuși o poveste atipică în cariera sa cu Stilul obișnuit, delicat, sărind peste ceea ce ar considera cineastii mai mici scenele cheie și să lase publicul să completeze semnalele (sau să ghicească dacă au loc deloc). Și ca întotdeauna, viața izbucnește din afara cadrului: aceasta nu este o poveste atât de mare cât este o felie de realitate. Nuanța obișnuită și ochiul fin al Ozu ’; pentru natura umană înseamnă că atât relația, cât și eventuala reîntâlnire a cuplului căsătorit se simt autentic și complet câștigat, dar servește de asemenea frumos ca un portret al salariatului anilor 1950, simțindu-se ca un precursor, printre alții, Billy Wilder’; s “;Apartamentul. ”;

“; 50 ’; Eclipse ”; (1962)

Când autor italian Alberto Moravia a scris “; banul este elementul extraterestru care intervine indirect în toate relațiile, chiar și sexuale, ”; ar fi putut să vorbească Michaelangelo Antonioni’; s “; L ’; Eclisse, ”; care închide trilogia neoficială începută cu “;L ’; Aventurra”; și “;Noaptea. ”; Filmul joacă Monica Vitti ca Vittoria și Alain Delon ca Piero, doi îndrăgostiți vor flirta cu ideea de romantism, dar care se străduiesc să înțeleagă adevărata intimitate. Bântuit de un peisaj urban cu o arhitectură grandioasă italiană modernă (juxtapus cu clădiri construite pe jumătate aparent abandonate din cauza stilului lor învechit), Delon joacă un tânăr bursier care se îmbogățește în timp ce subclasa Italia ’;. Unul dintre acești proști săraci este mama lui Vittoria, care și-a pierdut economiile. Proaspăt din propria despărțire cu un bărbat mai în vârstă, Vittoria îl întâlnește pe Piero prin această legătură și dansează în jurul ideii de a fi împreună și de a-și profesa dragostea adevărată unul pentru celălalt, inclusiv câteva ședințe grele de make-out care în cele din urmă se simt apatic și gol. În lipsa unei legături adevărate, aceste personaje epuizate emoțional încearcă să fabrice o iubire veșnică, dar nu este niciodată destul de geluită și este efemeră ca vânturile neliniștite care oferă micuțului său oraș atmosfera fantomatică și dezamăgită. “; Mă simt ca și în Țara străină, ”; Piero spune la un moment dat. “; Funny, ”; Contoare Vittoria, “; asta ’; s cum mă simt în jurul tău, ”; și este probabil o piesă de dialog directă pe cât o spune oricine în film. Învățând dragoste adevărată, cuplul a promis să se întâlnească pe un colț de stradă mai târziu în acea seară, dar niciuna nu apare și filmul se încheie cu un montaj opac și neplăcut al celor șapte minute ale peisajelor goale.

“; Eyes Wide Shut ”; (1999)

După ce a abordat totul, de la Primul Război Mondial și anihilarea nucleară, până la călătoriile spațiale și în cel mai înfiorător hotel ’; Stanley Kubrick s-a apropiat de casă pentru ceea ce s-a dovedit a fi ultimul său film, “; Eyes Wide Shut. ”; Adaptat de Frederic Raphael și Kubrick din Arthur Schnitzler’; s “;vis Story, ”; aceasta deschide fisuri în căsătoria cu frumosul tânăr doctor Bill Harford (Tom Cruise) și soția sa Alice (Nicole Kidman) după ce a propus două femei la o petrecere, și ea mărturisește că a avut o fantezie sexuală despre un alt bărbat. Aceasta duce la mai multe nopți lungi și întunecate ale sufletului, în timp ce Bill întâlnește un cult sexual secret cu o influență și o mare atingere și găsește latura mai însemnată a vieții în afara monogamiei înainte de a se întoarce acasă la relativa siguranță și fericire a căsătoriei sale. Ca multe relații în criză ’; filme, este un film profund moralistic, care se plimbă într-o sexualitate tabu-agitată, într-o manieră superbă, fascinantă, care arată ispitele perverse care plâng cuplul, dar, în cele din urmă, sugerează că căsătoria este cea mai bună soluție pe care o avem (Kidman ’; ultima linie, “; La dracu, ”; este la fel de profund sexy și incredibil de romantic). Ca întotdeauna cu Kubrick, filmul este meticulos, extraordinar și inventiv, dar castingul ar putea fi masterstroke: folosirea a doi megastars care au fost la acea vreme la Hollywood și rsquo; s cea mai discutată, speculată-căsătoria oferă examinarea lui despre o relație pe marginea cuțitului, o dimensiune aproape mitologică.

„Fețe” (1968)

A luat John Cassavetes aproape un deceniu pentru a face o adevărată urmărire a uimitorului său debut “;umbre, ”; un film care a inventat mai mult sau mai puțin un film independent american, așa cum îl știm - a regizat câteva concerte de închiriat la Hollywood, dar a fost doar atunci când s-a autofinanțat “; Faces, ”; datorită banilor obținuți din slujbe de actorie mari precum “;Zeciul murdar, ”; că s-au întors cazavele pe care le cunoaștem și le iubim. Prima realizare reală a ceea ce ar urma să fie văzută drept compania de reprezentare a scriitorului și regizor ’; s, vedetele filmului John Marley și Lynn Carlin ca Richard și Maria Forst, un cuplu căsătorit de vârstă mijlocie, de vârstă mijlocie, în aparenta ultimă perioadă a căsătoriei lor. După ce a anunțat că vrea un divorț, ea iese cu prietenii și alege un playboy îmbătrânit și fără problemeSeymour Cassel), în timp ce Richard vizitează o prostituată (Gena Rowlands) că el s-a întâlnit deja. Așa cum se întâmplă în general cu Cassavetes, ea are o formă liberă și liberă, cu stilul și ritmul său distinctiv, care au făcut ca mulți să creadă în mod eronat că filmele sale sunt improvizate: nu ar fi, dar nu ar ști din spectacolele cu totul naturale (inclusiv de la un Carlin nominalizat la Oscar, care a lucrat în prealabil ca secretar la Screen Gems). Nu este un ceas ușor, ca o melancolie, mai obișnuită “;Cui ’; s Frica de Virginia Woolf”; în amărăciunea sa acerbică, dar în mijlocul urâțeniei, regizorul găsește momente de stranie har și frumusețe. Mai târziu, el a abordat teme similare cu cel mai bine privit “;O femeie sub influență, ”; oferindu-i lui Rowlands rolul carierei sale.

“; O femeie blândă ”; (1969)
Robert Bresson’; e primul film în culori, “;O femeie dulce”; („O femeie blândă”) se bazează pe Dostoevsky nuvela “; O creatură blândă, ”; și s-a concentrat pe lumea interioară necunoscută a titularului ‘ femeie blândă, ’; Elle (Dominique Sanda), pe care îl întâlnim la începutul filmului, imediat după ce s-a sinucis. Povestea este povestită în flashback-uri povestite de soțul ei de amanet Luc (Guy Frangin), în timp ce el încearcă să înțeleagă ce a determinat-o să se omoare singură. Se întâlnesc la magazinul său și, lovit de frumusețea ei, el o urmărește acasă și se căsătorește cu ea, în ciuda protestelor inițiale. O pereche ciudată din start, angajatorul se află în imposibilitatea de a-și înțelege pe deplin soția așa cum dorește: el apelează la ea cu călătorii la operă, cumpărându-și înregistrările și cărțile, dar totuși nu este fericit. Luc devine mai asupritor, iar Elle devine mai retrasă, până când într-o noapte ajunge la o armă care să-l omoare, dar nu este în stare să tragă pe trăgaci. În schimb, ea scapă de singura cale în care poate, prin moarte - o evadare obișnuită pentru personajele lui Bresson ’; După cum ni se spune povestea din punctul de vedere al lui Luc, lumea soției sale ’; lumea rămâne misterioasă, întotdeauna ascunsă doar din cadru. Spectacolele sunt de obicei Bressonian, cu puțină emoție sau reacție oferită de expresie, deși subtilitățile blânde ale feței și mișcărilor lui Sanda sugerează tulburarea ei interioară. Opinia lui Bresson ’; asupra materialismului și împlinirii spirituale este clarificată în acest film, cu indicii că obsesia de către amanit pentru bani și “; lucruri ”; a dus la deznădejdea soției sale și a pierdut moartea.

“; Hannah și surorile ei ”; (1986)

Woody AllenFilmele mai noi de ’; sunt atât de leneș asamblate și pe jumătate gândite (cu excepția ocazională precum 2011 și rsquo; s ușoare, fermecătoare “;La miezul nopții la Paris”; și 2013 ’; s șocant personal “;Iasomie albastră”;) că devine ușor să uităm ce poate fi un cronicar astut al răului romantic pe care îl poate avea Woodmanul atunci când operează în vârful puterilor sale creative. Personajele din universul cinematografic neurotic ’; din New York suferă adesea din punct de vedere moral orb și, uneori, uimitoare în timpul judecății. Toate aceste lucruri apar în ciuda caracterului ’; s de multe ori educație considerabilă, statutul clasei de mijloc și penibil pentru cultura rafinată. În marea sa piesă de cameră măiestrică și tristă “; Hannah și surorile ei, ”; Allen sondează lucrările cele mai interioare ale unei familii din New York, adânc încurcată, plină de luptă, infidelitate și mai rău, și apare cu o bezea comică elegantă și delicios, amară, care disecă valorile burgheze încordate cu precizie și spirit. Acțiunea se învârte în mare parte în jurul a trei surori adulte - Hannah titulară (soția Allen ’; Mia Farrow) Holly (Dianne Wiest) și Lee (Barbara Hershey) - și infatuările, rivalitățile și trădările care amenință să dezlege țesătura familiei lor. Întregul ansamblu de plumb este remarcabil aici, cu Michael Caine în special, dând o întorsătură blândă, rănită, ca un soț infidel, care este în conflict cu deciziile sale, și Allen împrumutând energia sa nebbishy (înainte de a crește în întregime) rolului scriitorului T.V. Deoarece acesta este un film Allen de prim rang, acolo râde o mulțime de băuturi, dar nu greșește: aceasta este la fel de stingerea unei examinări a nemulțumirilor conjugale ca “;Scene dintr-o căsătorie, ”; regia eroul Allen ’; s Ingmar Bergman, doar cu umorul evreiesc al mărcii Woodman ’; s și disperarea existențială.

“; Călătorie în Italia ”; (1954)

Puține filme au fost reevaluate de-a lungul timpului cu atât de mult succes sau au avut un impact atât de colos cum a fost Roberto Rossellini’; s “; Călătorie în Italia, ”; un film care a avut o producție zbuciumată și care a fost dezamăgit pe scară largă de critici la lansare, dar acum este un clasic de neatins. Bazat pe baze Colette’; s roman “;Duo, ”; filmul vede cuplul englez Alex (George Sanders) și Katherine (Ingrid Bergman) călătoresc prin țara titlului pentru a vinde proprietatea pe care au moștenit-o de la unchiul său și găsind relația lor care se prăbușește pe parcurs. La un moment dat, Katherine spune că „este prima dată când am fost într-adevăr singuri de când ne-am întâlnit, ”; iar problemele ca atare devin imediat evidente - ele nu pot comunica, au personalități sălbatic diferite și par a fi profund geloase unul pe celălalt. Este o împerechere aparent toxică, dar Rossellini se termină pe o notă de optimism, cu cei doi aparent reuniți după un festival religios. Rossellini a experimentat aici și și-a înstrăinat distribuția (inclusiv fosta sa fost fostă soție Bergman), refuzând să arate scenariul sau să le lase să se pregătească, iar lipsa de narațiune tradițională a filmului a fost primită otrăvitor de critici, cel puțin până când gașca Cahiers du Cinema a ajutat la reabilitarea acesteia. Dar acum este o imagine incredibil de brută, tristă și interpretată fenomenal de cele două stele ale sale, ambele dezbrăcate până la os, fără trucuri actoricești pentru a se ascunde în urmă. Se simte cu disperare personal în locuri și a ajutat în atât de multe moduri de a schimba direcția cinematografiei de artă europeană care urmează, influențând totul, de la filmele Antonioni ’; la, bine, “; By The Sea. ”;

“; Cuțit în apă ”; (1962)

O căsătorie vizibil de iubită amenință că se sfărâmă și apoi erodează Roman Polanski’; s “; Cuțit pe apă, ”; o privire pesimistă și tulburătoare asupra liniei subțiri care separă omul de fiare. Deși nu prezintă nici înfricoșarea ocultă a lui “;Rosemary ’; s Baby”; nici teatrele lungi și exterioare ale lui “;Chirias, ”; Debutul regizorului polonez ’; este în multe privințe cel mai neliniștit film al său, în principal pentru ceea ce spune despre venalitatea esențială a personajului uman. Acțiunea filmului este limitată mai ales la o singură barcă cu apă, unde un cuplu burghez mizerabil a adus un tânăr străin misterios și chipeș pentru o navigare după-amiază. Soția, pusă în mișcare de soțul său, comportament deschis urât și mărunt, nu poate să nu se lase să rămână în vizorul acestui bărbat mai tânăr, mai viril, în timp ce se încruntă cu multă fericire pe teritoriul ei patetic și soțul ei. Leon Niemczyk și Jolanta Umercka sunt încântătoare, practic, din primul cadru ca un cuplu a cărui căsătorie este asediată, în timp ce Zygmunt Malanowicz, întrucât fluturașul masculin cu părul blond alfa, care devine marginea ascuțită a cuțitului acestui triunghi răsucit, este capabil să sugereze grade de amenințare de neconceput cu puțin mai mult decât un zâmbet curdled. Un model de economie narativă și unul dintre cele mai înfricoșătoare filme realizate vreodată despre gelozie sexuală, debutul Polanski ’; prezintă numeroase teme și motive care ar veni să definească opera sa ulterioară, inclusiv perversiunea, paranoia, violența latentă și capacitatea umană de rău . Ocazie sinistră de umilință se încolăcește sub apele ticăloase ale acestui film cu inimă neagră, până la o deznodământ înfăptuitoare și îngrozitor de logică în care Polanski ’; s-a zăpăcit viziunea de loialitate conubială devine prea evident.

“; Căsătoria, stilul italian ”; (1964)

Unul dintre Vittorio De SicaCele mai de succes filme de ’; în străinătate (au primit atât nominalizări pentru cea mai bună limbă străină, cât și cea mai bună actriță), “; căsătorie italiană stil ”; pasi departe de stilurile sex-comedy ale filmului precedent, 'Ieri, azi și mâine', Care l-a format pe director, Sophia Loren și Marcello Mastroianni, în favoarea a ceva mai apropiat de melodrama ambițioasă. Această romantică care se întinde pe zece ani îl vede pe Loren ca pe Filumena Marturano, o prostituată care a fost salvată de Mastroianni ’; s Domenico în timpul celui de-al doilea război mondial, devenind amanta sa într-o relație care a decis să fie unilaterală. În ultima tentativă de a-și câștiga devotamentul, întrucât acesta urmează să se căsătorească cu o femeie mai tânără, ea face o boală finală. Cu o structură inventivă formal - este „flashback” grea, cu De Scira sărind în timp într-o manieră îndrăzneț eliptică, apoi mută accentul pe fiecare dintre cei trei copii ai lui Loren ’; fiecare tarat de un bărbat diferit - se simte într-un fel oarecum mai devreme decât unele imagini ale lui De Sica ’; s, navigând cu tonuri aparent contradictorii ale comediei largi și ale dramei înflăcărate într-un mod pe care cineva ca Pedro Almodovar și-l va face ulterior. Dar filmul este mai mult decât orice o vitrină pentru Loren, care îl aruncă pe Mastroianni de pe ecran pentru o singură dată. Atât brassy, ​​cât și înfăptuitor, este filmul ei de la primul cadru până la ultima, iar ea câștigă în același timp performanța nominalizată la Oscar în “;Doua femei”; iar apoi unele.

“; Noaptea ”; (1961)

Opera lui Michelangelo Antonioni se simte ca una dintre cele mai mari influențe asupra “;Pe malul marii,”; chiar dacă Jolie nu a spus destul de mult - cu siguranță, a abordat de mai multe ori un teritoriu tematic similar în cariera sa, inclusiv în “;Deșertul roșu, ”; “; L ’; Avvenura ”; și această imagine extraordinară din 1961. Pe parcursul unei singure zile și noapte, îi urmăm pe Giovanni (Marcello Mastroianni) și soția sa Lidia (Jeanne Moreau) în timp ce vizitează un prieten pe moarte, participă la semnările de carte și la petreceri (Giovanni este un celebru autor), dar ocazional se rătăcesc singuri sau cu potențiali iubiți, se întâlnesc pe parcurs. În concluzie, forțează o confruntare de felul în legătură cu natura relației lor și, deși pare clar că este fracturat iremediabil, îi închidem făcând dragoste de feluri într-o bandă de nisip pe un teren de golf milionar ’; . Până la urmă, conversațiile dintre cuplu se întâmplă la un fel de înlăturare intensă - supărată și suprasolicitată cum este uneori Lidia, Giovanni nu reușește să o mângâie; și, atâta cât Giovanni pare să se bucure de succesul și admirația de la egal, Lidia nu reușește să își legitimeze realizările. Este un portret îngrozitor și rece al unei relații burgheze într-o stare de entropie particulară; chiar dacă aceștia caută distragerea cu ceilalți, există o inevitabilă ciudată a faptului că ei vor termina împreună. Frumos, mutabil și mereu la îndemână, “; La Notte ”; nu este un film pentru care toată lumea își va găsi timp, deși noi susținem că nu este exact răbdarea de care are nevoie telespectatorul, ci o dorință de a permite filmelor vizuale bogate să te atragă și curenții răcoriți să se apropie deasupra capului tău. .

“; Un loc în soare ”; (1951)

O adaptare a Theodore Dreiserromanul aclamat ’; s “;O tragedie americană”; (care a fost odată setat să ofere debutul la Hollywood Serghei Eisenstein în era sonoră timpurie și a fost filmat și de Josef Von Sternberg în 1931), “; Un loc în soare ”; are o reputație în mare măsură meritată ca una dintre melodramele cinematografice clasice, deși timpul și-a influențat puțin filmul de-a lungul anilor. Regizat de către George Stevens (care a câștigat Oscarul în acel an, unul dintre șase filmul a câștigat), filmul joacă rolul principal Montgomery Clift în vârful puterilor sale de George, un tânăr ambițios care ajunge într-un oraș mic pentru a lucra în fabrica unchiului său. Un băiat muncitor, începe curând o relație cu colega Alice (o excelentă Shelley Winters), dar mai târziu se încadrează în Angela de clasă superioară (Elizabeth Taylor, într-un rol care la fel de mult a ajutat-o ​​să o împingă în rolurile de adult). Când Alice rămâne însărcinată și cere să se căsătorească cu ea, George începe să ia în considerare acțiunea drastică. Este o poveste riguroasă, puternică, care continuă să surprindă imaginația (Woody Allen ’; s “;Punct decisiv”; este, în esență, o problemă pe aceeași poveste de bază), iar răsucirea se transformă în adevărate lovituri de intestin atunci când vin, în special cu cele trei conduceri care fac o astfel de muncă excelentă. Acestea fiind spuse, se simte puțin restricționat de Codul producției în anumite locuri, iar Stevens este probabil prea mult un instrument neobișnuit pentru satira socială mai subtilă a operei lui Dreiser ’; - te ciocnește peste cap cu temele sale. Totuși, ca o imagine a unui bărbat care se găsește sfâșiat între două femei și caută să ia cea mai lașă cale de ieșire, ci și a clasei și ambiției din S.U.A., ea rămâne în continuare ca un clasic.

“; Shame ”; (1968)

În multe dintre filmele din această listă, relațiile centrale sunt puse la încercare în mare parte de factori interni - îndoială de sine, lipsa de fidelitate și lipsa de încredere. “; Shame ”; este unul care îi vede pe eroii noștri separați de factori exteriori dincolo de controlul lor, expunând totuși o dificultate în dinamica care probabil s-ar fi produs în orice circumstanță. Oarecum trecut cu vederea Ingmar BergmanCanonul ’; s, acest film vede actorii cei mai asociați cu regizorul, Max Von Sydow și Liv Ullman, ca Jan și Eva Rosenberg, un cuplu căsătorit care încearcă să scape de un război care ’; s închide asupra lor. Ei sunt chinuiti de sinistrul colonel Jacobi (Gunnar Björnstrand) și să găsească ororile conflictului care să se dezvăluie părți ale lor înșiși, mai degrabă, celălalt nu l-au văzut niciodată. Bergman a interogat căsătoria și relațiile bărbat-femeie înainte și după „Rușine”, dar luând dinamica pe care o examina de multe ori - o femeie cu voință puternică și un bărbat slab, sensibil - și încadrându-l în jurul unui conflict aproape distopic. întrucât se trage din istoria conflictului din secolul XX, fără a sugera o anumită locație sau cauză, devine ceva mai mare și mai riguros în examinarea sa atât a naturii umane, cât și a lucrurilor pe care venim să le descoperim despre ceea ce vor face cei dragi să supraviețuiască. Este un film sumbr, chiar și după standardele regizorului; momentele finale cu cuplul într-o barcă prinsă de corpuri plutitoare, deoarece Eva povestește un vis pe care l-a avut odată sunt deosebit de bântuitoare, deși într-un mod frumos - dar unul care ar trebui să marcheze printre cel mai bun și cu siguranță printre cele mai incisive examinări ale relațiilor.

“; Stația Termini ”; (1953)

Curios, Vittorio De Sica a filmat această melodramă din 1953, în care a jucat Jennifer Jones și Montgomery Clift (cel mai superb), și în timp ce amândoi sunt foarte buni, ne luăm cel mai puțin compromis “;Stația Termini”; deasupra studio-tinkered “;Indiscreția unei soții americane”; orice zi. Destul de Harvey Weinstein din ziua lui, superproducător David O. Selznick a condus echipa de De Sica cu două vedete americane, dar filmul în timp real, de 89 de minute, care îl vede pe Jones ca o gospodină, care s-a îndrăgostit de localul lui Clift ’; Giovanni și încearcă să o despartă de el. deloc pe placul lui Selznick. Așa că a tăiat peste 20 de minute (ceea ce înseamnă că a trebuit să filmeze un scurt scurt 'Toamna la Paris'Pentru a aduce pachetul la o lungime distribuibilă), în special prin a tăia o mare parte din observațiile la nivel de marcă ale De De Sica. Acest lucru este deosebit de evident în scena în care soția și mama necredincioasă a lui Jones dau ciocolată unor copii: atunci când aparatul foto este pe ei, ar putea fi un rezultat din „Hoții de biciclete”(Completat cu un sentiment potențial excesiv). Însă, atunci când se refacă la patronul lor care îi privește cu limpede, se simte arătat: America ca furnizor binevoitor. Totuși, castrat și cauterizat, deși „Indiscreția” lui Selznick este, nu poate ascunde emoția autentică și sexitudinea surprinzătoare a acestei romantici condamnate, în timp ce Monty și Jones se luptă cu atracția lor irezistibilă în gara principală a Romei, în timp ce viața trântește și bâzâie peste tot. Și în versiunea completă, fără compromis, devine ca un riff neo-realist pe “;Întâlnire scurtă, ”; întrucât duo-ul central este adus în viață de zumzetul orașului din jur.

“; Spre minune ”; (2013)

Cu “; Spre minune, ”; Terrence Malick a pătruns și mai mult în eterul scenariului de vis non-narativ decât avea cu “;Copacul vietii, ”; lăsând în urmă tehnicile convenționale de povestire în favoarea și mai multă voce, poezie vizuală și mai hazloasă, mai multe fotografii de ora magică cu nuanțe de aur. Detractorii regizorului au plâns că “; Spre minune ”; a fost doar mai mult decât un experiment indulgent, la scară largă, și în timp ce este adevărat că filmul joacă mai mult ca o colecție de părți laterale Malick B, decât marele album de concept coeziv care a fost “; The Tree of Life, ”; Chiar și minorul Malick este major la standardele și oricine altcineva. Ca atare, “; Spre minune ”; este incontestabil o încurcătură, dar este una fascinantă, iar evocarea sa strălucitoare a etapelor de naștere și moarte ale iubirii este răpitoare și adesea copleșitoare. Ben affleck joacă Neil, o americană în străinătate care se încadrează pentru o femeie ucraineană divorțată, recent divorțată, pe nume Marina (Olga Kurylenko). Ei se plimbă în parc, iau metroul împreună și își angajează dragostea neîncetată unul pentru celălalt. Într-una dintre cele mai senzitive secvențe ale carierei lui Malick ’; s, cei doi îndrăgostiți încrucișați de stele călătoresc spre ținutul înghețat și îndepărtat al Muntelui St. Michel, iar vibrația stearpă și de altă lume a peisajului aproape că se simte ca au locuit un planeta extraterestră (există nuanțe profunde de Antonioni ’; s “; L ’; Avventura ”; aici). Abia după ce Neil o duce pe Marina înapoi în orașul american din orașul mic, a crescut în condițiile în care fisurile din relația lor încep să apară. Un film de artă nechibzuit, halucinant, cu o privire sfâșietoare la data de expirare a unei relații și, probabil, cel mai neplăcut și confuz film al lui Malick până acum, “; Spre minunea ”; niciodată nu se adună într-adevăr în ansamblu, ci ca o serie de instantanee împrăștiate care surprind o dragoste înfloritoare, care în cele din urmă se dezmierdă și putrezesc, ea este adesea fascinantă.

“; Doi iubitori ”; (2008)

Chiar și într-o filmografie încărcată de momente emoționale mari și dezvăluiri melodramatice, James Gray’; s “; Two Lovers ”; este remarcabil de crud și personal. Este un film de răni proaspete și cicatrici romantice de luptă: o poveste de dragoste pentru epoca modernă, care nu are nimic colosal în puterea sa. Mulți își vor aminti, din păcate, de drama galvanică și eruptivă a lui Grey ’; ca ultima mare întoarcere de la stea Joaquin Phoenix inainte de a intra in etapa cu barba-megalomanie (citeste: arta performanta) a carierei sale cu “;I ’; m Still Here” ;. Ceea ce este o rușine, deoarece aceasta este una dintre cele mai restrânse și frumoase lucrări de actiune care pot fi văzute încă de la celebrul actor exploziv, chiar dacă nu poate să se potrivească cu factorul memorabil groaznic al topirii sale pe bază de cocaină în pal / regizor. Casey Affleck’; este o mare glumă cinematografică. În “; Doi iubitori, ”; Phoenix îl joacă pe Leonard, un bărbat trist și rănit din Brighton Beach care face tot posibilul să trăiască zi de zi după o serie de tentative eșuate de sinucidere. Cu o atenție liniștit amețitoare, dar încă discretă asupra detaliilor trăite, filmul îl observă pe Leonard intrând pe orbita a două femei foarte diferite: genul Sandra (Vinessa Shaw, într-o singură întorsătură), cu care a fost înființat de părinții săi, și Michelle (Gwyneth Paltrow), un suflet pasionat care trăiește noaptea și, de asemenea, pentru pulberile, pastilele și distracția fără sens. Scenele de împingere și atragere între acest trifecta romantică încurcată sunt observate cu stăpânire, iar Gray își trage orașul natal din New York cu o claritate și un sentiment de teamă că mulți dintre contemporanii săi le lipsesc (merită, de asemenea, menționat faptul că acesta este primul regizor ’; film care nu se clasifică cumva drept imagine de crimă). Un portret uluitor de durere și pierdere și o bijuterie adormită de la mijlocul anilor 2000 ’; s, “; Two Lovers ”; este serios în ceea ce privește durerea ei - cu atât mai mult încât te lasă agitat.

“; Drumul revoluționar ”; (2008)

Richard Yates’; roman “; Drumul revoluționar ”; o carte destul de neglijată, care a văzut o viață nouă la începutul secolului XXI, este un fel de Muntele Everest al cărților cu căsătorie cu probleme și în timp ce Sam Mendes’; Adaptarea filmului nu este perfectă, totuși este o încercare clară și frumoasă. Filmul vede Leonardo DiCaprio și Kate WinsleFrank și April Wheeler, un cuplu din Connecticut suburban, care visează să se mute la Paris, dar ale căror vise sunt întrerupte de infidelitatea lor, de băuturile grele și de circumstanțele care nu le stăpânesc. Este un ceas dur - există un ușor ușor, dar este în mare parte dominat de relația combustibilă a perechii centrale, aruncată atât de propriile lor futuri risipite, cât și de dificultatea de a susține iubirea, iar pentru mulți filmul a devenit puțin. cum ar fi să alegem roadkill: disecarea la nesfârșit fără a găsi vreodată mai multe lucruri noi de spus decât a făcut-o deja. Dar asta pentru a trece cu vederea umanitatea, compasiunea foarte reală pe care Yates și Mendes o au pentru aceste personaje, și este ceva de masterstroke pentru regizor să reunească pentru prima dată Winslet și DiCaprio, ecranul preeminent. cuplul vârstei lor datorită “;titanic”; - ambele sunt extraordinare și aduc nu doar un sentiment de cât de mult se urăsc pe cei doi, ci și cât de mult se iubesc.

Mentiuni onorabile: Cinema nu-ți lipsește exact filmele despre relațiile eșuate - am acoperit deja teritoriul în mod similar într-o caracteristică ușor diferită, cu o linie diferită de filme, și chiar dincolo de aceasta, acolo am putea fi incluse mai multe. Printre cele despre care am discutat anterior erau “;Soții și soțiile, ”; “;Ia acest vals, ”; “;Pisica pe un acoperiș fierbinte de staniu, ”; “;Romance moderne”; și “;Scene dintr-o căsătorie. ”;

Dincolo de asta, există mult mai multe, inclusiv mai multe de la De Sica (“;Copiii lor ne urmăresc”;) și Ozu (“; Aroma de ceai verde peste orez”;), plus Diane Kurys’; “;Între noi, ”; Zujuwalski ’; s “;Deţinere,”; Peter Greenaway’; s “;Înecând după numere, ”; Marlon Brando mai dur și ldquo;Reflecții într-un ochi de aur, ”; “;Părinți îngrozitori,”; Gillian Armstrong’; s subestimat “;Ultimele zile ale Chez Nous, ”; Louis Malle’; s “;Iubitorii, ”; Jean Vigo’; s “;L ’; Atalanta, ”; Otto Preminger’; s “;The Sundowners, ”; Richard Linklater’; s “;Inainte de miezul noptii, ”; Leo McCarey’; s “;Adevarul ingrozitor, ”; Doug Liman’; s “;Domnul și doamna Smith”; și Lubitsch ’; s “;Acest sentiment incert. ”; De asemenea, există multe încărcături, dar dacă aveți vreun favorit special nu am menționat, strigă-le mai jos.

- Oliver Lyttelton, calculatorul Nicholas



Top Articole

Categorie

Revizuire

Caracteristici

Știri

Televiziune

Setul De Instrumente

Film

Festivaluri

Opinii

Premii

Box Office

Interviuri

Clickables

Liste

Jocuri Video

Podcast

Conținut De Marcă

Premii Sezonul Reflectorizant

Camion De Film

Influențatori